La vida de Cornelis Ketel , pintor de
Gouda
Biografía desde
Hay
jóvenes, que por mucho que se esfuercen, sienten al comienzo de su carrera
artística, que la naturaleza no les ayuda. Otros, que están bien dotados, no
se toman ninguna molestia, y creen que la fortuna de su padre les será más
útil que que el estímulo de la necesidad. Otros, finalmente, demasiado
confiados en su estrella y sus aptitudes naturales, descuidan el trabajo y
se quedan en el camino.
Pero aquellos a los que la naturaleza les tiende
la mano, y que siguen el camino que les ha trazado, fortaleciéndose mediante
el estudio y el trabajo, llegan a saborear los frutos de su labor.
La
fortuna sonríe a estas personas previsoras. Puedo citar, sin temor a
contradecirme, el ejemplo del pintor y poeta. Cornelis Ketel.
Mostró,
desde su juventud, una gran aplicación al estudio, y a la edad de once años,
ya que mostraba un gran interés por la pintura, fue aprendiz de su tío, que
era un artista bastante bueno, pero más un maestro erudito que un buen
pintor.
Más celoso que sus compañeros, atrajo la atención del pintor
de vidrieras, Dirck Pietersz Crabeth, que no dudó en decir mostrándolo:
"Este será uno de los cientos que llegarán". Alentado por estas palabras,
Ketel se aplicó con más ahínco al dibujo y la pintura.
Nació en Gouda
en 1548, el domingo anterior al Domingo de Ramos.
Tras cumplir
los dieciocho años, se convirtió en alumno de Anthonis Blocklandt , en Delft,
y pasó el año 1565 con él. En 1566, partió hacia París y se dirigió a
Fontainebleau, donde trabajaban algunos jóvenes flamencos: Jeroon Vrancks,
Aper Fransen, Hans de Maeyer y Denijs de Utrecht. Estos le dieron la
bienvenida, y se enfrentaron de la manera más cordial, hasta que, al cabo de
unos meses, la corte se instaló en Fontainebleau, y tuvieron que irse.
Ketel volvió entonces a París, y se embarcó con el pintor de vidrieras
del Rey, el señor Joan de la Hame. Ocupaba un taller independiente y se
dedicó a la composición.
Fue en ese momento cuando se emitió un edicto
que prohibía, bajo pena de muerte del Rey de España, a cualquier súbdito
que habiendo residido menos de dos años, permaneciese en Francia, por la
razón de que muchos de los perseguidos por la religión, habían buscado
refugio allí. Ketel juzgó prudente marcharse, y así escapó de la masacre de
París
(1567 Suponemos, la matanza de los Hugonotes en
1572), y luego regresó a Holanda, decidido
a volver a Francia, o a ir a Italia.
Las circunstancias frustraron
este plan, y permaneció unos seis años en su ciudad natal de Gouda, donde
muchas sirenas trataron de cautivarlo con sus dulces canciones. Por
desgracia, la guerra no fue muy propicia para el trabajo artístico. En 1573 Ketel zarpó hacia Inglaterra.
Cuando llegó a Londres,
encontró a un escultor y arquitecto, gran amigo de su tío, que lo acogió y
no le permitió quedarse en otro lugar que en su casa.
Encontró la
manera de vender algunos cuadros que había hecho en el el país, y entró en
contacto con los de la Liga Hanseática, que le encargaron varios retratos.
Fue en Inglaterra donde se casó con su actual esposa
(Adélaïde Gerrits)
que llegaron de Holanda con este propósito, y se quedaron en Londres unos
ocho años, durante los cuales no faltó trabajo.
Estaba haciendo
exclusivamente retratos, pero como el pintor prefería las composiciones,
ejecutó una pintura con dos figuras más grandes que del natural,
representando la Fuerza derrotada por la Sabiduría y la Prudencia. La
obra fue adquirida por un joven comerciante, el Sr. Pieter Hachten, quien
rindió homenaje a Christopher Hatton, que murió como Lord Canciller.
En 1578, Ketel pintó un retrato al natural de la reina de Inglaterra
(Hay una pintura que
continúa anónima con todos los rasgos de Ketel
#) , a
petición del conde de Hertford, cuya madre
(Lady Frances Howard),
duquesa de Somerset, estaba dando un banquete a su soberana en su castillo
de Hantworth.
Ketel también pintó al conde de Oxford
(Sir Edward Vere), Gran Chambelán
hereditario y varios señores, sus esposas e hijos; varias de estas efigies
son de cuerpo entero.
En 1581 regresó a Holanda y se instaló en
Ámsterdam, donde tuvo la oportunidad de pintar nuevos retratos.
Pintó, entre otras cosas, para los Cleuveniers Doelen, una compañía de
arcabuceros comandada por el capitán Harman Rodenborgh Beths, y se colocó en
ella, visto de perfil.
Las figuras están o estaban montadas en una galería, de modo que en lugar de
columnas, haya curiosos términos tallados que se alzan, destacando en
relieve, y forman un marco muy original.
A la semejanza de las fisonomías
se añade la buena ejecución de las ropas y accesorios. En la parte inferior,
hay pequeñas alegorías pintadas en grisalla: con las figuras de Marte y
Vulcano imitando el bronce. Para explicar estos emblemas, Ketel escribió la
siguiente cuarteta:
Detén, terrible Marte, tus sangrientas acciones;
Y tú, Vulcano, deja de forjar armas;
A tus pies yacen derrotados
Odio,
Avarícia, Envidia y Discordia.
Ketel compuso y pintó dos alegorías
más; una en la que las Virtudes triunfan sobre los vicios y que tituló: el
Triunfo de la Virtud; la otra donde los Vicios triunfan sobre las Virtudes,
y que tituló, El triunfo del vicio. Estas obras, que vi en casa del
honorable Hans van Weely, en Ámsterdam, están notablemente pintadas. Las
virtudes y los vicios están bien caractarecidas por sus atributos. Para
explicar su pensamiento, el pintor compuso los siguientes poemas:
El
triunfo de la virtud.
Envidia, Discordia, Guerra, Tiranía,
Aquí los
dominados son reducidos a la impotencia.
Donde la Sabiduría es
entronizada como una buena soberana,
Donde la Justicia asegura y
fortalece la Paz,
Donde el Amor y la Fe brillan a todos los ojos,
Donde se muestran los abrazos fraternales a nuestros ojos,
Donde el Amor
trae sus generosas ofrendas
De palmas y laureles con los que se adorna la
Virtud,
La verdad se ve desde las alturas donde se cierne
Con la
fuerza y la templanza se enriquece su valor.
En la luz brillante estas
virtudes embellecen.
¡Gloria al país en que las leyes de la verdad hacen
honor!
El triunfo del vicio.
Donde la Envidia infernal, con su
hija la Discordia,
Sopla las nubes negras.
Con sus rasgos fatales
persigue la Virtud,
Y duele la Justicia que aquí se buscas en vano,
La
verdad sucumbe y en la lucha,
Cae, golpeado mortalmente por la Tiranía.
Donde la Guerra, rodeada de los humos de la muerte
Saca de la vaina la
espada de su venganza,
La fe y el amor verán crecer su endeble
descendencia en la vergüenza;
La sabiduría, el progreso y la paz se
eclipsan.
¡Ay del país donde triunfa el mal!
Alrededor de 1584,
Ketel pintó un San Pablo con los ojos elevados al cielo, una figura tan
grande como del natural, y que se ve hasta las rodillas, por lo que Roger
Janszoon posó para ello. Fue un encargo de John Ophogen, cuyo hermano, Thomas Ophogen, quería repetir, además de otras cinco figuras: el
penitente San Pedro, la arrepentida Magdalena, el Publicano, Saul
arrojándose sobre su espada
(Recientemente le atribuyen
#, antes a Rubens), y Judas ahorcándose. Las pinturas se encuentran
todavía en Danzig, en la casa del mencionado Thomas, son excelentes en todos
los aspectos.
En 1589, entregó a la compañía del
Handtboogh-Doelen, el capitán Dirck Rosecrans, un grupo de figuras, grandes como
del natural
#, todos de pie, excelentemente pintado, y con un nuevo invento de encuadre.
Hay muchos buenos retratos suyos, entre otros, los del
capitán Neck
# y su esposa
#, ambos de cuerpo entero. Pero entre todos
destacan los siguientes retratos, admirablemente bien hechos: Primero,
el de un tal André Vrericksen; segundo, el de un Hans Lammersen,
sosteniendo una naranja en una mano; en tercer lugar, el secretario Haen; en
cuarto lugar, un orfebre, de cabeza mitad que de natural. Estos son todos de
Ámsterdam.
Luego un veneciano que se hizo construir un espléndido barco en Ámsterdam.
Se trata de un obra extraordinaria con nombre de Francesco Morosini
(¿Giovanni Francesco Morosini?) ,
la cabeza es magnífica. Hizo una contraparte, ejecutada con los dedos y sin
la ayuda del pincel, y que también era muy similar.
En sexto lugar, una
excelente cabeza, con el retrato de Vincent Jacobsen, el juez de vinos de
Ámsterdam, sosteniendo una hanap de vino del Rin, pintura
extraordinariamente limpia, y sin embargo con un excelente efecto a
distancia.
Séptimo, una joven portuguesa;
octavo, un tal Simon Lock,
de Ámsterdam. Este retrato, el mejor de todos, se encuentra actualmente en
La Haya, en la casa del fiscal Lock.
Entre otros muchos buenos
retratos, actualmente está trabajando en una serie compuesta por Cristo y
los Doce Apóstoles, cabezas menos grandes que del natural, que son
retratos de pintores o amantes del arte, extremadamente de los pintores o de
los aficionados al arte, extremadamente bien ejecutados y dibujados. Uno ve
entre estas cabezas, el retrato muy similar del excelente escultor Henri De
Keyser, arquitecto de la ciudad de Ámsterdam.
También he visto, con gran
placer, doce cabezas de apóstoles de tamaño natural, con manos muy bien
cuidadas. Estos cuadros están en París, con el sobrino, Jacob Ketel,
ingeniero del rey de Francia, un hombre prodigioso en su campo, que estaba
al servicio del rey de España, en Milán.
Siguiendo el ejemplo del
antiguo Timanthe, Ketel, que siempre fue el favorito de las Musas, ha
inventado una serie de ingeniosos emblemas.
Cito en primer lugar una
composición dibujada, demostrando las tres causas por las que se cultivan
las artes. Esta obra va acompañada de el siguiente poema:
Tres causas
impulsan a cultivar las artes,
El dinero, el honor y el amor al arte.
El que busca dinero, se encuentra con la avaricia
para cerrarle el paso;
lo verá demasiado pronto.
Quien aspira a reír, a veces está mejor
servido;
La vanagloria puede llevar al árbol de las bellas artes.
Pero
si quieres el fruto y no el árbol mismo,
Obtenemos frutos verdes y muy
poca aprobación.
A quien la vocación prepara el camino seguro,
Impulsado por su ardor con una fuerza incesante,
Ni el celo ni la
paciencia pueden faltar.
Su obra lo conducirá al verdadero arte.
Dando
honor y ganancia.
La felicidad excita la Envidia.
Odio, Envidia y
Chismes
Enfréntate a Favor.
Sin embargo la Fama toma su vuelo
Y
demuestra el mérito de todos.
La Verdad, gracias al Tiempo, estalla,
Nada impide su triunfo.
La envidia roe el corazón; la araña destila su
veneno
Donde la abeja recoge su miel.
Este pequeño emblema, El
árbol de las artes, todavía figura, de manera ingeniosa, y enviado a
Brabante, lo vemos en Hamburgo, en casa del Sr. Dominique van Uffele, en la
calle Verte, donde está demasiado escondido, de la luz del día y de los ojos
de aficionados, en una caja.
Ketel también dibujó, a petición
de Raphaël Sadeler, una composición alegórica donde ves, en medio de un
grupo formado por los Pintura, Música y Poesía, sentados cerca de una fuente
y sosteniendo un corazón ardiente, el Amor que mantiene sus ojos fijos en la
Pintura, y escuchan los sonidos de la música. En lo alto de la fuente, un
niño devolviendo agua. Esto es la Inclinación, teniendo a su lado la
Sutileza, representada por una serpiente. El todo significa que el Amor es
la fuente de las artes. El pintor completó la alegoría en un sentido
espiritual, adornando el cuenco superior de la fuente, con cabezas de
serafines, cuya boca emite agua. Y como la naturaleza de la aspiración
del artista tiende hacia la razón y la recompensa, esta aspiración está
representada por coronas de laurel y palmas.
A continuación, vemos el
cuadro pintando la historia de Dédalo e Ícaro, que pretende exhortar a los
artistas a la modestia y ponerlos en guardia contra la vanidad. A su
alrededor hay un borde de varios temas: la Diligencia que gira, con
una grúa, látigos y espuelas al lado; El Trabajar con una pala, un martillo,
un cuero de buey y
mayales; La Paciencia con un pájaro en una jaula, un
cordero y un reloj de arena, y detrás, trampas; finalmente, está el Hábito o
la Práctica, sosteniendo una flecha que dirige a través de un anillo pisando
un reloj de arena. Los arcos están colgando detrás de ella.
Cerca de cada
una de estas figuras cuelgan dos lámparas encendidas, emergiendo de un marco
ornamentado.
El todo está destinado a demostrar que la Práctica se
perfecciona en el tiempo y que las Virtudes representadas ocurren bajo
cuatro formas exteriores, como todas las artes, a través de la manifestación
de las cualidades antedichas, que están entre las luces de este mundo.
Volvió a pintar en grisalla una pequeña alegoría, donde un hombre desnudo
pone un pie sobre el cráneo de un buey, y el otro sobre una tumba, pasando
sobre un ancla que sostiene levantada por la anilla, también tiene un látigo
y espuelas, y en el brazo, una mujer que personifica el arte, y que levanta
con su mano derecha una corona de laureles, que el hombre se esfuerza por
alcanzar también con su mano derecha, que sostiene un corazón traspasado e
inflamado.
La mujer coloca su pie sobre un reloj de arena flanqueada por
un pájaro diurno, y un pájaro nocturno (o murciélago), y con su mano
izquierda ella designa un cordero mirando hacia un niño arrodillado envuelve
un brazo alrededor del cordero y sostiene una paleta, para indicar que
quiere cultivar el arte con paciencia.
Al otro lado de la figura, que se
ve desde atrás, se extiende un joven que agarra un cuerno de buey con una
mano y sostiene el otro un libro de música, para demostrar que quiere ser
músico, y de hecho, tiene todo tipo de instrumentos cerca de él.
En las
nubes aparecen por un lado dos niños: Genio y el Gusto, que empujan el
corazón inflamado hacia la Diligencia, caracterizada por el látigo y las
espuelas que el hombre tiene en sus manos, y al otro lado Cupido armado con
un arco, cuya flecha acaba de atravesar el corazón.
En el fondo, las
ruinas, destinadas a mostrar que Roma es el lugar de estudio que el joven
artista debe elegir.
Es el secretario Haen, de Ámsterdam, gran amante del
arte, quien que es el dueño de esta pieza. Ketel lo explica con las
siguientes líneas:
La esperanza, oh joven, no te abandonará;
Así
que a trabajar, gratis y con paciencia.
Si el genio y el gusto te
entusiasman
A la solicitud, sus deseos se cumplirán.
Todavía
existe un gran cuadro de él, muy bien pintado, que representa una hermosa
mujer desnuda, dormida en un antiguo diván, teniendo a su lado, en una
gloria, un serafín que personifica la Virtud. El Fraude enmascarado, bajo la
apariencia de un sátiro, intenta apoderarse del lecho de la Verdad, pero
ésta le desenmascara por la fuerza de la Virtud, bajo la apariencia de un
hombre robusto con alas de águila y similar al Tiempo, que presiona sobre
los hombros de Fraude, hasta el punto de que parece romperse la espalda.
Este cuadro también se encuentra en Ámsterdam. El siguiente poema lo
explica:
La verdad sin velos puede dormir aquí.
La Virtud hace
guardia junto a ella;
Y si Fraude trata de sorprenderla
Es detenido
por la fuerza de la Virtud
Que lo ata con tanta fuerza, que le rompe la
espalda.
En la calle Calverstraat, en Ámsterdam, en la corte
holandesa, en casa del Maestro Claes, hay otra alegoría bien pintada cuyo
significado es el siguiente:
La inteligencia desarmada por el Vicio,
Por Venus y la sed de oro,
a través del abuso, un viejo veneno,
Se
transforma en locura.
En efecto, vemos a la La Inteligencia despojada
de sus armas: el casco, escudo y lanza, por los placeres sensuales, el vino
y el oro.
Venus, sentada, la sujeta por el pie; junto a ella, Cupido, que
toma inteligencia como meta de sus golpes; Baco sosteniendo un jarrón de oro
en una mano y una copa de cristal en la otra, parece que quiere excitar a la
Inteligencia para beber. El reflejo del vino tinto colorea su frente. Un
poco más adelante está la Avaricia, sacando una bolsa de un cofre donde está
entronizado Midas, que cambia en oro todo lo que toca. El exceso, bajo la
apariencia de un viejo sátiro, coronado de Inteligencia con un sombrero de
Locura.
El secretario Haen todavía posee de Ketel una pieza muy
hermosa de las Siete Virtudes. Ha pintado, además, una representación
alegórica del dicho: el deseo no tiene descanso. Se representa más o menos
de la siguiente manera:
El hombre cruza un pozo sin fondo, mientras la
Carne se pone una venda en los ojos. Detrás de él, crece le Petun
(Tabaco), una planta que significa
la vida del alma y cuya raíz nos muestra un niño recién nacido. Frente al
hombre, por el contrario, aparece el Napellis
(Acónito),
una planta venenosa, la muerte del alma, y cuya raíz muestra una cabeza de
la muerte. Este es el bien temporal que el hombre persigue y por lo que
descuida su salvación.
La fortuna, llevando en sus velos al dios de la
riqueza, siembra a su paso todo lo que el hombre su camino todo lo que el
hombre carnal puede desear, pero el insaciable no tiene descanso.
Aquí
está de nuevo la explicación rimada por el pintor:
El hombre terrenal
se deja llevar hasta ahora por la carne,
Que no conoce a Dios y se
deleita en el mal;
Sus deseos no tienen fin;
Y aunque todo le llega,
su deseo es incansable.
En apoyo de esto, nos muestra en la
distancia, el infierno de la Fábula, con los temas: Tántalo, Sísifo, Ixión,
Tityus y las Danaides.
En el mismo lugar, hay otra alegoría de Ketel
cuyo poema es el siguiente:
Sube al alto Sión armado de previsión;
Que la vieja experiencia sea tu consejera;
Que la vana apariencia no te
engañe
O la ilusión, no la realidad, será tu parte.
Quien virilmente
lo intente tendrá la gracia de Dios
Cuando la Juventud sucumbe a su gran
daño.
Y ya que estoy relatando estas creaciones alegóricas, no puedo
omitir, el Espejo de la Virtud, que Saenredam ha grabado
#, y donde nos
muestra la ingratitud del hombre que, recibiendo el sol, responde con
mordiscos, mientras la gratitud, recibe la luna y la aprieta contra su
corazón. La impresión con otros emblemas se explica así:
La virtud
representada aquí, el corazón agradecido.
Por pequeño que sea el regalo,
nunca lo olvides;
Pero el ingrato sin demora convierte el blanco en
negro.
Quien besa a un amigo así, a cambio es mordido.
Obligar a un
ingrato es un intento vano.
Impulsado por su mente ingeniosa, Ketel
creó obras de todo tipo destinados a traducir sus pensamientos en formas muy
diferentes. Así, en 1595, comenzó a modelar, y realizó en arcilla un grupo
de cuatro figuras desnudas, una de las cuales está atada de pies y manos,
ilustrando la parábola evangélica sobre el invitado que no tiene vestido de
novia, y es arrojado a las tinieblas exteriores. Todo el grupo es muy
notable, y merece la admiración de cualquier verdadero conocedor.
Desde entonces se ha dedicado a modelar figuras de cera, siguiendo el
ejemplo de los italianos, que es muy útil para la ejecución de las pinturas.
El año siguiente, empezó a hacer bellos retratos y lo consiguió de forma
extraordinaria. Sus obras están ahí para demostrarlo.
En 1599 se
aficionó a pintar sin pinceles, hecho que muchos califican de depravación,
como lo que ocurre con algunas mujeres, que durante su embarazo, sólo
quieren alimentos crudos. Esto no impide que el intento tenga un éxito
maravilloso. Primero hizo su propio retrato en varias poses, y asemejándose
quizás mejor, que muchos otros retratos pintados con la ayuda de pinceles.
Con esta prueba dada, hizo para Henri van Os, un gran aficionado en
Ámsterdam, un Demócrito y un Heráclito , el primero, a petición del
mencionado van Os, siendo su propio retrato. Es vigoroso y brillante y el
efecto vívido.
Mientras se ocupaba de pintar de esta manera el
retrato de Monseñor Morosini del original terminado, el comerciante de
pinceles llegó, que le deseaba un callo en cada dedo, pues sólo él era el
único que tenía que perder en este tipo de prácticas.
Un moscovita
también quería tener su retrato, pintado con los dedos para mostrárselo al
gran duque, del que era amigo.
También pintó el retrato del almirante
de la flota de las Molucas, Wolfart Hermans, que era muy similar, y el
excelente escultor escultor De Keyser, al que ya había retratado con un
pincel como un apóstol.
Todavía con sus dedos hizo tres cabezas: la
Virgen, San Juan y el Salvador coronado de espinas, admirablemente
ejecutado, especialmente las gotas de sangre y las lágrimas, hasta el punto
de que uno se pregunta si tal cosa podría haber sido ejecutado sin pinceles.
Mejor aún, en 1600, se le ocurrió pintar sin usar las manos, sino
exclusivamente con sus pies.
No consideremos ridículos, a los que se
comprometen a demostrar que lo que parece imposible es factible, que por
ejemplo, un pintor inteligente, perdiendo las manos todavía podría encontrar
una manera de traducir sus pensamientos. ¿No hay individuos que, para
demostrar su destreza, emprenden y ejecutan las cosas más extraordinarias?
¿No vemos a algunos que disparan el arcabuz por la espalda o al revés, y sin
embargo hacen blanco?
¿No hay algunos que caminan sobre la cuerda, cuando
el suelo está obviamente hecho para caminar?. Yo pongo en la misma categoría
de hazañas, las obras que se realizan con la mano y con los instrumentos de
la profesión.
El primer intento que hizo con los pies fue un
Harpócrates o dios del silencio, que tuvo mucho éxito. No ha representado
con menos exactitud la expresión del silencio, no es menos precisa que la de
los filósofos que ríen o lloran.
Al crear estas obras tuvo mucho
cuidado de no tocarlas nunca con las herramientas del oficio, tratando de
completarlas completamente según el sistema que él mismo se había impuesto;
muchas personas podrían dar testimonio de la exactitud de este punto.
Varias personas quedaron encantadas con esta obra.
El duque de
Nemours quería poseer la figura de Heráclito
(Atribuido, aunque se supone copia de Jans Lieves
#)
por la circunstancias de su producción; se ocupa un poco de la pintura como
aficionado.
Un conde polaco, André Leczinski, conde de Leschno,
también posee varias de estas obras pintadas con el pie.
Debo decir
ahora unas palabras sobre las pinturas que hizo de diversas maneras para su
propia casa. En el lado derecho de la fachada: Demócrito y Heráclito, con el
globo terráqueo entre ellos
#. A la izquierda, Momus
y Zoilo, que se pintaron con el pie izquierdo. En el centro, e
inmediatamente por encima de la entrada de la casa: El tiempo coronado de
rosas, sosteniendo en una mano la guadaña, en la otra el reloj de
arena; junto a él hay dos niños, representando a la Inteligencia y el otro
el Genio, ya que toda obra de arte nace de la unión del tiempo, inteligencia
y genio. Esto se pintó con la mano izquierda y sin ningún tipo de pincel.
Todas estas figuras son de tamaño natural y totalmente coloreadas.
En los
intervalos aparecen dos figuras que simulan ser de bronce; la de la derecha
del Tiempo es Pintura, ejecutada con los pies y las manos
manos; a la
izquierda está Paciencia, sentada en un yunque y combatida por la Falsedad,
que utiliza tres flechas: La envidia, la ociosidad y la calumnia. Los celos
la sujetan por los pelos, mientras que Ódio excita a un perro rabioso para
que arremeta contra ella.
Mortalidad, una figura con una calavera y
huesos cruzados, cuyas cuencas oculares disparan llamas, simboliza la gran
mortandad de Ámsterdam en 1602, el año en que se realizó este cuadro. Estos
monstruos espantosos parecen destruir a Paciencia, que sostiene un cordero y
un crucifijo en sus brazos, levantando los ojos al cielo con una sonrisa.
Antes de terminar, me gustaría citar algunos otros de sus emblemas.
Sucedió que un caballero, el Señor de Wulp, expresó su deseo de tener algo
de su Álbum amicorum. Ketel, al enterarse de la condición del personaje,
dibujó a un hombre de calidad a caballo, con un halcón en el puño, seguido
de un paje y precedido por un galgo. Al fondo, un labrador con su campo y
sus vacas.
El conjunto iba acompañado de este poema:
Es dulce con
el mundo y encantadora,
La presencia de la joven y bella mujer;
El
generoso corcel es admirado,
La velocidad y el apego del buen sabueso;
El labrador ama su campo y sus bueyes;
¿Cómo nos puede sorprender que el
caballero
ame la belleza, el corcel y el ágil perro corredor?.
Ketel unió a este dibujo otra composición emblemática, con la que dio a
conocer el significado de la imagen anterior.
Una mujer joven,
completamente desnuda y con un gorro de locura, da a luz a un niño en el
regazo de un joven de buena apariencia, pero por detrás, no es más que la
muerte. Su cabeza termina en un escorpión para golpear con su aguijón a la
joven que lo abraza.
Este personaje es el peligro de la muerte, mientras
que la mujer es la juventud loca. Su hijo es Voluptuosidad, traído al mundo
con la ayuda de Vanidad, como la comadrona.
Más adelante vemos de nuevo a
la Juventud loca, perseguida por la Experiencia que intenta arrebatarle a su
hijo. Entonces, cerca de las valvas abiertas de un molusco, la Razón, bajo
la apariencia de un filósofo intenta hacer que el niño vuelva a su
caparazón.
La explicación decía:
La Juventud Loca sólo sueña con
los placeres;
La apariencia vana le presta su apoyo;
Se adhiere,
inconscientemente, al peligro mortal,
Hasta el día en que la Experiencia
le quite su Voluptuosidad,
Que la Sabiduría devuelve a su caparazón.
Quien se comporta como un hombre es realmente "dueño de ella".
La
cosa fue muy divertida en La Haya, incluso por el Príncipe de Orange.
Ketel también hizo una hermosa pieza para el burgomaestre Corneil
Florissen van Teylinghen, una hermosa pintura de dos metros. Es un gran
alegoría sobre el Tiempo y la Verdad.
Para Jacques Razet, el
aficionado ilustrado de Ámsterdam, hizo un
alegoría relacionada con su
lema: Na dit een beter,
(Después de ésta una vida mejor)
El cuadro fue acompañado del siguiente poema:
Como el terrible mar
embrabecido.
El que se ve aquí encadenado:
La Resignación, de la que
no se puede librar ningún juicio,
Ni la tormenta sobre ella
desencadenada;
Su fuerte corazón le dice que Dios no olvida
Y la
constante Esperanza le muestra después del presente un brillo.
Ketel
también pintó dos pequeños cuadros para Razet: una Virgen con el Niño Jesús,
que rechaza el pecho y se vuelve hacia la cruz, llevada a él por un ángel,
la otra pintura, representa un Cristo sentado en una piedra junto a dos
ángeles. Este último fue cedido de Razet a De Jode, y ahora está en Amberes
Finalmente, Ketel ejecutó, sin ayuda de ninguna herramienta, una
figura de un hombre de tamaño natural, vistiendo sólo una piel de buey
y sosteniendo un martillo. En este trabajo, por encima del personaje
dos niños, uno de los cuales es Genio y el otro Gusto. El Genio inspira la
idea de pintar pies y manos sin pinceles. El otro niño, que procede del
pensamiento, estimula el pincel con una pluma, y muestra un espejo, dando a
entender que tal empresa debe ser llevada a cabo por la inteligencia y la
razón. El amor, sosteniendo una llama en su mano derecha, parece instar a la
obra, y con su mano izquierda golpea el corazón con una flecha de oro. La
inteligencia dirige el pie con la ayuda de la vista, simbolizada por el
espejo, ya que la Inteligencia sin Visión, y la Visión sin Inteligencia, son
igualmente impotentes. Pintando, sosteniendo un panel en su regazo, y la
mano izquierda armada con la paleta, permite que la Envidia sea pintada con
el pie. La envidia roe su corazón con rencor. La pintura tiene para los
compañeros La Aplicación y la Paciencia, para lograr muchas cosas con la
ayuda del Tiempo, representado aquí con un reloj de arena en una mano y una
hoz en la otra. El pintor explica su trabajo en el siguiente poema:
Donde el genio y el gusto excitan el cerebro,
Donde el Amor interviene
con sus trazos de fuego
Y la inteligencia empuja al hombre.
Se
demuestra que lo imposible es posible.
Paciencia y Aplicación
Vienen a
probar la Inteligencia
Por el concurso del ojo y gusto.
Qué importa
que actúe el pie o la mano,
La Pintura contempla y guía
Lo que hace
con el pie.
La envidia, que todo lo denigra,
Devora su corazón con
rabia y despecho.
CONCLUSIÓN
El tiempo, ayudado por su hoz,
improvisa recoger su cosecha
Pero entonces, ¿quién quiere su beneficio
aquí abajo?
Debe pensar en el momento de la siembra.
La virtud
triunfa.
Es sin duda la mejor obra que ha realizado el pintor, sin
herramientas. La envidia se pinta exclusivamente desde el pie; el resto con
los dedos.
Es algo sorprendente la firmeza con la que pinta estos genios,
y su reflejo en el espejo del Tiempo.
En suma, es una obra prodigiosa
esta pintura, destinada para el Sr. Guillaume Jacobsen, el aficionado de
Ámsterdam.
En el friso del gran lienzo, y también dibujado sin pincel, se
inscribe un poema relacionado con la obra en sí.
Mira, contra el uso
común, los dedos me han pintado por completo.
Cuando Ketel me hizo, ni
pincel ni brocha me tocaron.
Ketel ha pintado recientemente una
figura de Judith de medio cuerpo, del tamaño natural, bien coloreado y
limpio. Está destinado al coleccionista. Christopher Dircksen Pruys, en
Ámsterdam.
Una de sus mejores obras está en Dantzig: es una Danae
recibiendo la lluvia dorada, una figura de tamaño natural.
Recuerdo haber
visto la misma composición en su casa; colgaba en su vestíbulo. Incluso
ocurrió sobre este tema la agradable aventura de un campesino, que al ver la
obra de pasada, pidió a la mujer del pintor permiso para echarle un vistazo,
ya que afirmaba ser un conocedor.
"Oye, amiga", dijo apostrofando a la
mujer pintada, "si te sales con la tuya te ganarás bien la vida". Luego
añadió: "Apuesto a que esto representa el Saludo Angélico, donde el ángel
del Señor trae el mensaje a la Virgen", y alabó mucho el orden del tema,
tomando Cupido por el ángel, y Dánae que yace en un estado de completa
desnudez, por la Virgen María; y se fue torpemente como antes.
En
consecuencia, confiamos la vida de Ketel a la misericordia del Eterno, y sus
obras - más fáciles de denigrar que de criticar con justicia y que ser
justamente criticado y superado, - a juicio de hombres competentes y fama,
pues es un maestro experto en todas las partes del arte: arquitectura,
geometría, perspectiva, proporción, así como en la poesía.
Entre otros buenos alumnos tuvo a Isaac Oseryn
(es Pieter Isaac), natural de
Copenhague, que primero había estudiado sin maestro con su abuelo, creo,
pero que era un dibujante mediocre.
Cuando llegó a casa de Ketel, éste le
dio una copia de los Trabajos de Hércules grabados por Cort, según Floris.
Una vez hecho esto, le hizo las correcciones, y luego calcó su
dibujo. Se observó una extraordinaria diferencia con el primer estudio y uno
nuevo, con mayor parecido con el grabado. El estudiante pronto fue admitido
a pintar.
Después de tres años partió para Venecia, pasó allí un año y
otro tanto tiempo en Roma. A su regreso había hecho tales progresos que uno
podría esperar de él excelentes obras, pero murió de fiebre calentura poco
después de regresar a su país acababa de pintar al rey de Dinamarca de
tamaño natural, pero la obra permaneció en forma de borrador. Su maestro
Ketel conserva algunas cosas muy bonitas
